¿Os suena eso del «diseño natural»? Bueno, debería. Porque básicamente, no existe mejor diseñadora que la propia naturaleza. La regla áurea, la secuencia fibonacci, los fractales… Todo participa del mismo objetivo en el mundo de la biología para dotar a flora y fauna de las mejores herramientas tanto para desarrollarse en su entorno adecuadamente como para protegerse de los depredadores.
Quizá esto ya lo sabíais, pero… ¿os habéis dado cuenta de que estos patrones no sólo se repiten en ámbitos similares, sino también entre seres vivos con fisiologías y habilidades muy diferentes? El Museo de Historia Natural de Munich nos propuso realizar una pequeña pieza que pudiera servir para explicar estos patrones tan singulares, y no dudamos en ponernos manos a la obra. Si queréis hacer una pieza similar, os explico cómo podéis diseñarla e imprimirla en tres dimensiones, no sólo para jugar con vuestros pequeños o amigos, sino también para utilizarla en el baño como un bonito utensilio en el que depositar vuestra pastilla de jabón. ¿Empezamos?
Lo primero de todo: ¡escoge una buena foto!
Al fin y al cabo, de lo que se trata es de emular a la maravillosa naturaleza. Por ello, lo mejor es hacerse con una buena imagen capaz de ilustrar el patrón que pretendes reproducir. Yo me he decantado por un juego divertido, en el que me imagino al usuario dudando sobre si el patrón que tiene entre manos (supongamos que lo hace a ciegas) proviene de un animal, de una planta, o de un mineral. Lo más curioso es que… ¡el patrón que he escogido se puede ver en todos estos ámbitos! Es la estructura que usan los hongos bajo su cubierta exterior; las ondulaciones presentes en conchas como las vieiras, y también las caprichosas formas que a veces se ven en océanos o fallas montañosas. Aquí os dejo la imagen que he utilizado como referencia.
Eso sí, con una ayudita. Puedes utilizar múltiples herramientas para hacerlo pero yo te recomiendo Fusion 360 de Autodesk. Deberás crear un sketch e importar la fotografía como canvas. Calibra la imagen al tamaño que más te guste y a partir de ahí… Mucho tiempo y ganas para reproducir las formas ondulatorias mediante curvas, o como las llama el programa, fit point splines. El sistema es similar al de otros programas; cuentas con keyframes y manejadores. Utiliza el mínimo de puntos posibles pero no te olvides de ser preciso. Mi recomendación… ¡No te esmeres con las ondulaciones pequeñas! Será difícil reproducirlas en 3D.
Cuando lo tengas todo, crea otro sketch en un plano inferior y… ¡a trabajar de nuevo! Crea las mismas ondulaciones pero ahora hazlo en los espacios entre las curvas, ya que entre un plano y otro levantarás las «dunas» u ondulaciones. Esto lo harás con la herramienta «loft». Tenéis varios tutoriales en internet para ello; es muy sencillo. Sólo tienes que esmerarte en que no pisas unas curvas con otras… Y ya te adelanto que te llevará tiempo y cuidado.
Si ya has acabado… Casi lo tienes! Añade una extrusión en la parte de atrás lo suficientemente alta como para que aguante la pastilla de jabón, y tras combinar ambos «bodies», ¡lo tienes! Exporta la pieza como archivo STL y asegúrate que la «mesh» resultante tiene la calidad suficiente. ¡A imprimir!
Imprimiendo imprimiendo…
Esta pieza la puedes imprimir en casi cualquier impresora pero los resultados serán lógicamente mejores en una de resina, con sistema SLA o similar. Si usas filamento, te animo a probar con PP: es un poco más complejo de utilizar y necesitarás ensayo-error en el software Cura, pero la gran ventaja es que es un material a prueba de agua y por tanto la podrás utilizar en el baño para el jabón como te decía al principio del post.
¿Os habéis planteado alguna vez cuántos tipos de ciervos hay? ¿Os habéis encontrado alguna vez con esos preciosos peluches de ciervo rojo en fotos de Canadá? ¿Os apetece haceros un juguete chulo para vuestros niños que refleje el amor por la naturaleza y los materiales orgánicos?
Os propongo haceros un press fit kit en base a dos planos perpendiculares, con piezas de madera de arce laminada cortadas en cualquier FabLab con una máquina de corte láser. ¿Os animáis?
Paso 1: Bocetar.
Haceros un pequeño boceto a mano alzada, mirando imágenes de ciervos y sus preciosas cornamentas. Yo os recomiendo echarle un vistazo a los ciervos rojos; ¡son preciosos! Intentad siempre bocetar tanto en perfil como en perspectiva frontal porque os ayudará a entender mejor las formas del animal y aquello que lo hace especial. Abajo os dejo mis bocetos iniciales. Sí, son muy básicos; ¡no importa! Al final lo diseñaréis en formato vectorial.
Bocetos inciales del ciervo
Paso 2: Dibujar en una aplicación vectorial o paramétrica.
Lo mejor es que os pongáis a dibujar directamente en el software con el que os sintáis más cómodos. Podéis hacerlo como yo en Adobe Illustrator o una aplicación de dibujo vectorial similar (sí, las hay gratuitas como Inkscape) utilizando keyframes y curvas bezier; no es tan complejo. Eso sí, ¡tened cuidado con las escalas de las piezas! Yo os recomiendo hacer cuatro piezas; ya tendréis tiempo de complicaros la vida. Abajo podéis ver las cuatro piezas que he creado para mi ciervo rojo canadiense.
Las cuatro piezas para el corte y posterior montaje. ¡Muy sencillo!
Paso 3: Prototipa.
Vale, ya casi lo tienes. Yo a partir de aquí lo que os recomiendo es que os paséis a Autodesk Fusion 360 o alguna aplicación CAD similar como TinkerCAD, y os pongáis a trabajar las piezas. Esto os abrirá muchas puertas pero en especial os ayudará para el corte de láser bajo formato DXF (la mayoría de las máquinas de corte de los FabLab lo utilizan) o para la impresión 3D en formato STL. Sí, ya sé que las aplicaciones paramétricas son un poco más complicadas que Illustrator o Inkscape, pero tampoco es tan difícil… ¡Y además siempre podéis importar en ellas los archivos SVG que habéis creado en Illustrator! Esto es exactamente lo que he hecho yo. Las podéis convertir a sketches y luego en componentes para trabajar animaciones, renders, o exportar las piezas para su corte. Abajo os dejo una animación con mis piezas y como montarlas.
Paso 4: ¿No te fías de cómo quedará? ¡Emúlalo en cartón!
Como lo oyes. Imprime tus piezas en un papel A4 desde Illustrator, y llena el reverso contrario con un lápiz muy blando alrededor del contorno. Luego ponlo sobre un cartón cualquiera y redibuja los contornos. Obtendrás un calco a través del que poder recortar cada pieza directamente sobre el cartón. Luego las montas… ¡Y listo! Yo también me he atrevido; mira qué chulo me ha quedado a la luz de esta vela:
Recortar cartón no es lo más fácil del mundo pero el resultado te ayudará mucho a entender si has hecho la escala correcta.
Paso 5: ¡Fabrica!
Ahora viene lo divertido. Saca un DXF de tu software paramétrico favorito y llévatelo a un FabLab. Casi todos cuentan con una máquina de corte láser, y seguro que tienen láminas de madera adecuadas para su máquina. De no ser así, puedes comprarlas fácilmente online. ¡Acuérdate de no comprarlas con grosores mayores a 5mm! Mi recomendación es ir a por una lámina de madera de arce de 600 x 300 x 3 mm. Las piezas te quedarán chulas y no serán demasiado anchas. Metes tu archivo en la máquina, sigues las recomendaciones de seguridad… ¡Y listo!
A continuación, la presentación del diseño para la App «XENTE!».
Se ha optado por una presentación más amplia que el entorno de la propia comunidad de gallegos en Munich, abriendo el rango de recepción a cualquier otra comunidad de gallegos en el mundo. Es por tanto una presentación que pretende explicar los motivos que la sustentan, no sólo desde el ámbito lúdico (el propio de una red social), sino también como servicio práctico (una herramienta útil para expatriados) y como elemento significativo y vehicular para la propia cultura de Galicia y su transmisión a nivel internacional. De ahí las referencias en el documento a cuestiones etnográficas y académicas.
Durante mi investigación etnográfica, tuve la suerte de ahondar en la problemática de la comunidad gallega de emigrantes en Munich, Bavaria. Fui capaz de comprender sus preocupaciones, en su mayoría relacionadas con el desasosiego ante la creciente debilidad de la propia comunidad tras la pérdida de un espacio propio en el que poder interactuar y compartir una cultura que añoran y desean mantener en sus vidas. Diversos hallazgos llamaron mi atención durante el proceso. Por un lado, la existencia de un grupo importante de usuarios que, lejos de sentirse amedrentados por la imposibilidad de reunirse físicamente, disfrutaban las posibilidades del entorno telemático y la privacidad que ofrece, si bien muchos otros miembros de la comunidad consideraban clave que los encuentros tuvieran lugar en formato físico. Por otro, el fuerte vínculo que todos los usuarios mostraban entre ellos en base a un refuerzo de tipo identitario, que se extendía a los demás mediante procesos empáticos y de construcción comunitaria (noción de pertenencia, deseo de permanencia, búsqueda de elementos comunes). Otras consideraciones a tener en cuenta, en cuanto a herramientas vehiculares que no podían ignorarse durante la investigación, tenían que ver con la presencia de fuertes conceptos culturales que una y otra vez aparecían en las conversaciones, edificando conexiones culturales entre los miembros que parecían ser, en última instancia, factores clave en las relaciones que se establecían tanto a corto como a largo plazo. Entre estas herramientas vehiculares se puede citar la gastronomía, el idioma, el ejercicio constante de la memoria, y referencias constantes a localidades, personalidades o referencias icónicas de índole regional.
Idea base.
Uno de los grandes retos a la hora de diseñar un prototipo capaz de solventar algunas de las necesidades no satisfechas entre los miembros de la comunidad, era sin duda materializar lo intangible: el vínculo que une a los usuarios es orgánico y no obstante de naturaleza conceptual; no viven en el lugar del que hablan, ni cuentan con objetos que representen sus emociones más allá de reminiscencias a un pasado que ya no forma parte de su día a día. Parecía por tanto lógico construir una herramienta capaz de llevar aquello que ocupa sus mentes (la tierra que, pese a abandonar por motivos fundamentalmente económicos, aún domina muchos de sus pensamientos y emociones) a sus rutinas en el extranjero. Teniendo en cuenta el auge de dispositivos electrónicos inteligentes como tablets y smartphones en la sociedad occidental, una de las soluciones que más oportunidades ofrecía era sin duda la creación de una App o aplicación digital que fuera capaz de dar respuesta al menos a una parte de las necesidades manifestadas. Surge así la idea de diseñar una red social propia, con el objeto no sólo de mejorar la comunicación entre los miembros de la comunidad sino también de poder conectarlos con otras comunidades de gallegos por el mundo: una herramienta digital con un lenguaje y unos contenidos que partan de la problemática con la que lidia la comunidad para facilitar un entorno práctico, entretenido y relevante.
Pantalla de carga para la App «XENTE!». El imagotipo resuena en la comunidad de diferentes maneras: la tipografía es de sobra conocida por estar inspirada en la fuente creada por el artista Castelao; los colores son los de la bandera de Galicia; el elemento que gira mientras la App carga es un trisquel celta habitual en la joyería artesanal de Galicia. En cuanto a la imagen, representa a través de la mujer al propio usuario de la comunidad que, entrando en la App, abre una ventana (su tablet) hacia el mundo con el que, pese a estar lejano, desea conectar. La fotografía muestra además un elemento tan importante para la comunidad como el monte gallego, y muestra un puente como metáfora de lo que la App pretende: crear un vínculo entre el mundo físico que vive en la mente, y el día a día del emigrante en el extranjero con todas sus necesidades prácticas.
Proceso de diseño.
El siguiente paso tiene que ver con la búsqueda de referencias capaces de articular un diálogo con la comunidad que cuente no sólo con contenido familiar sino también con parámetros semánticos comunes. Estas referencias no debían por tanto responder únicamente a criterios estéticos de índole global; era preciso ofrecer también una estructura en la que la comunidad se sintiera reconocida y con la que se pudiese interactuar desde la idea de pertenencia y distinción, pues precisamente esa diferencia con respecto a otras comunidades se constituía como motivo fudamental para el establecimiento de vínculos entre los miembros. Entre los lenguajes del diseño que podían resonar con los usuarios destacaba la figura de Castelao, intelectual gallego que perteneció a la diáspora gallega en Argentina durante la dictadura y que hizo de la emigración uno de sus temas más recurrentes. Se escoge por tanto su trabajo tipográfico como base para el logotipo de la App, y se realiza una búsqueda entre todos los posibles nombres hasta conseguir una denominación de la red social con la que la comunidad pueda sentirse identificada. El factor humano acaba por imponerse en «XENTE», una habitual forma gramática entre los gallegos para referirse a sus amigos y que encaja perfectamente con la necesidad de trato humano que muestran todos los miembros de la comunidad. El tono y personalidad del logotipo se adereza con la presencia de un símbolo de exclamación final, y se extrae la grafía «T» para la base del imagotipo.
La pantalla de registro de «XENTE!» cuenta una historia más allá de la mera recopilación de datos. Cada una de las categorías necesarias es a la vez una referencia a una manera específica de preguntar al otro, totalmente enlazada con una manera específica de entender el mundo y una idiosincrasia que a los miembros de la comunidad les resulta familiar, cómoda y nostálgica. Estos datos facilitarán luego que los miembros de la comunidad puedan integrar herramientas comunicativas como WhatsApp o correo electrónico en sus interacciones, pero también permitirá que los usuarios de la red sepan dónde viven (presentados como residentes de la «Galicia alemana») y también que el propio registrado pueda filtrar los eventos para mostrar sólo los que tienen que ver con el lugar en el que reside. Esta forma de entrar en la red es también estratégica, en cuanto presenta a Galicia y a su gente como habitantes del mundo y no como población de un área geográfica específica.
Formato.
A partir de aquí se trabaja con un prototipo de red social en la que los eventos físicos y telemáticos, la gastronomía, la cultura en sus formas artísticas (lenguaje, fotografía, música) y la educación tengan cabida, siempre en base a referencias visuales evocadoras del gran ausente (Galicia), así como al idioma propio de la comunidad (el gallego).
La App permite funcionalidades que entablan conexiones directas con las necesidades de la comunidad. En ella es posible leer, a simple vista, los eventos físicos y virtuales en la región (con la posibilidad de apuntarse a ellos o crear un evento propio), ver lo que otros amigos (denominados «galeg@s» en la red) han publicado, revisar recetas tradicionales que se han subido como contenido, y visitar recursos adicionales (tales como programas emitidos en galego a través del canal internacional de Televisión de Galicia, escuchar conciertos en Radio Galega Música, o asistir a cursos que tienen que ver con la cultura de Galicia). La imagen a la izquierda del muro cambia cada día, funcionando como elemento integrador de la experiencia.
Antropología, G. de. (2012, julio 25). Mitología occidental y representación autocomplaciente del colonialismo. Un análisis de «Avatar» desde la antropología del poder simbólico (global) [Info:eu-repo/semantics/article]. Gazeta de Antropología, Granada, Spain. https://www.ugr.es/~pwlac/www.ugr.es/~pwlac/G28_19Patricia_Fernandez_Martin.html
Casas, L. O., Pérez, M. G., & Varela, M. V. (2008). Inmigrantes extranjeros y retornados en Galicia: La construcción del puente transnacional. Política y Sociedad, 45(1), Art. 1.
Corvalán, J. (2018). El fundamento epistemológico común del análisis estructural y de la antropología cognitiva. Cinta de moebio, 63, 391-405. https://doi.org/10.4067/S0717-554X2018000300391
os dejo mi trabajo para la aplicación de un sistema de señalética. Ha habido varios cambios con respecto a la formalización previa del sistema, tras un arduo proceso de revisión. Espero que os guste.
a continuación os dejo mi trabajo etnográfico realizado en Munich, con la comunidad de gallegos que viven en la ciudad. Ha sido una experiencia realmente interesante y muy sorprendente; me ha hecho reflexionar a fondo sobre muchas de las ideas que envuelven a la comunidad emigrante, y en especial sobre las ideas de identidad, pérdida y pertenencia, o empatía.
Os agradezco mucho cualquier comentario o reflexión que mi trabajo os pueda plantear.
Hola a tod@s y disculpad por el retraso en mi participación para el debate.
Os presento aquí un proyecto que me está interesando mucho, especialmente porque es casi virgen y tiene posibilidades inexploradas que, con el suficiente cariño y detalle, pueden mejorar mucho el ocio de la gente que vive a su alrededor.
Quisiera daros algo de contexto. Es muy curioso cómo los lagos y estanques en Alemania tienen una importancia mucho mayor que en otros países europeos. Esto es así porque Alemania tiene muy poca costa marítima y está localizada geográficamente muy al norte, por lo que para la gran mayoría de alemanes viajar hasta allí supone lo mismo que hacerlo a un país mediterráneo, con todo lo que ello implica (mejores temperaturas en el agua, mejor tiempo, más facilidades para el turista, etc). Como consecuencia, los alemanes pasan gran parte de su tiempo de ocio en estanques, lagos y ríos, que además siempre están muy bien conectados con su gran pasión: los bosques. Como seguro sabéis, toda la mitología teutona, y en general todas las artes tradicionales alemanas, están totalmente imbuidas por las zonas forestales, las altas coníferas, los bosques densos, las rutas de senderismo, etc. Ésto es todavía más intenso en Bayern (Baviera), donde la cercanía de los Alpes invita a actividades de montañismo durante todo el año.
El estanque que presento se encuentra precisamente en este escenario, con vistas directas a los Alpes (a escasos 45 minutos) y también muy cerca de la gran metrópolis bávara, Munich. Es un caso muy curioso porque la zona de Högling es muy rural y tradicionalista, pero al estar tan cerca de núcleos urbanos importantes y muy visitados como la mencionada Munich o las icónicas ciudades austríacas de Salzburg e Innsbruck (nuevamente todo se encuentra a unos tres cuartos de hora en coche), el estanque y sus alrededores reciben muchas visitas de «weekend warriors», turistas de fin de semana que buscan paz, naturaleza, y sitios con la posibilidad de realizar actividades deportivas.
No obstante, no hay que olvidar que el espacio fue pagado y remodelado por el ayuntamiento de Bruckmühl al que Högling pertenece, y por tanto la prioridad número uno del espacio es darle servicio a sus vecinos, que además lo frecuentan mucho en perfiles muy específicos: sobre todo familias y personas mayores. Es también importante entender que el espacio no sólo es visitado en verano para hacer las veces de playa, sino también en invierno a pesar de las gélidas temperaturas. Esto implica que la iluminación ha de formar parte importante del espacio (actualmente no es así), ya que en esta zona se hace de noche alrededor de las 16h en los meses de invierno.
Sin más, os dejo con mi exploración en formato informe y también con mi vídeo de presentación, esperando vuestros comentarios.
«Entender» desde un punto de vista etnográfico es intentar comprender las motivaciones humanas de un colectivo para mostrar un determinado comportamiento; el análisis etnográfico no sólo funciona al ubicar a una sociedad en relación con su entorno y sistema de creencias, sino también al poner estos parámetros en perspectiva histórica y evolutiva sin olvidar la influencia clave del lenguaje y la interacción durante la metodología de trabajo. Son importantes los conceptos de persona y rol tanto de los investigadores académicos como de los invididuos que forman parte de la comunidad investigada, así como todas las disonancias culturales que se encierran en ellos (Gruber R., 2001).
Técnicas como la observación, la entrevista o la investigación de campo aportan diferentes insights hacia un análisis que debe ser capaz de ofrecer neutralidad junto a un trabajo de evaluación comparativa. Las reminiscencias entre sociedades y culturas ayudan al marco de la interpretación sólo si este marco no establece prejuicios y suposiciones. Pese a que tradicionalmente la etnografía se ha basado en el contacto físico y la estancia prolongada, y tras una breve etapa en la que los etnógrafos consideraron al ciberespacio como un área homogénea en base a identidades virtuales descorporeizadas, hoy se entiende que la interacción online / offline en cuanto a co-presencia híbrida resulta no sólo adecuada para el estudio etnográfico sino también justificada por las relaciones de afinidad que se trazan en red (Di Prospero C., 2017).
Kit de campo.
Para un estudio post-pandemia sobre un tipo de emigrantes cuyos nexos culturales y afectivos traspasan fronteras – nexos que se originan en las raíces comunes, de la que los individuos en la comunidad permanecen alejados pese a no dejar de practicar sus costumbres -, considero necesario priorizar las herramientas virtuales sobre herramientas más tradicionales. Así estudio no sólo a la comunidad en sí, sino también al medio en el que la mayoría de sus interacciones tienen lugar. Se entiende que sus integrantes no sólo se comunican con sus familiares a través de la red, sino que parecen participar activamente de la comunidad a través de redes sociales y encuentros virtuales, con las escasas excepciones de interacción física. La comunidad de emigrantes gallegos en Europa parece definirse a sí misma en la red y desde la red, pero bajo una perspectiva regional – las circunstancias adheridas a un determinado país y/o ciudad – y no global.
Es importante comprender que una mirada etnográfica que se vehiculiza sobre una herramienta tecnológica se encuentra muy condicionada por aspectos técnicos, e incluso puede verse perjudicada por una observación demasiado diferida (Ardèvol E., Bertrán M., Callén B., Pérez C., 2003). En base a estas consideraciones y a la pregunta de investigación «¿cómo se relacionan los emigrantes gallegos radicados en Europa con sus compatriotas en el extranjero, y por qué lo hacen a pesar de las dificultades que conlleva?», especifico el siguiente kit de campo:
Computadora con software de videoconferencia. Permitirá establecer contacto visual con el entrevistado para obtener una dimensión más amplia de la persona, no sólo como usuario digital, sino también en el ámbito físico y experiencial. Ofrece la posibilidad de grabar los encuentros virtuales.
Tableta gráfica. Facilitará referir visualmente conceptos que ayuden a mejorar la comprensión, siendo vehículo de entendimiento y evitando cambiar la estructura visual de la entrevista al compartir pantalla.
Cuaderno de notas. Participará como referencia a las preguntas, así como espacio para anotaciones clave en base a las respuestas recibidas.
Bolígrafo. Aunque el teclado del ordenador podría llevar a cabo esta función, el cambio entre programas de software puede interrumpir la conexión con el informante. La anotación con bolígrafo en el cuaderno es rápida y menos intrusiva.
Propuesta para el kit de trabajo a nivel de materiales, basado en una metodología puramente virtual. Se tienen en cuenta factores técnicos y emocionales. Imagen creada por Ben Díaz en base a vectores de Adobe Stock bajo licencia educativa.
Metodología
Con el objeto de no sólo obtener una visión de los investigados en base a su relación virtual con el investigador, se establecen múltiples técnicas de trabajo:
Estudio contextual en el ámbito virtual. Se seleccionarán lecturas que permitan entender una contextualización previa de los sujetos.
Observación pasiva. Se les pedirá a los sujetos que lleven a cabo una charla virtual en la que el investigador pueda estudiar el comportamiento sin influir en él.
Observación participante. El investigador participará luego en una de estas sesiones, interactuando con los sujetos en base a los parámetros que su relación establece.
Entrevista dirigida en base a cuestionario. Utilizando la herramienta Google Forms, se le hará llegar al entrevistado preguntas no-abiertas que puedan aportar una perspectiva cuantitativa y metódica entre individuos. Preguntas potenciales: ¿cuánto tiempo dedicas a otros miembros de tu comunidad? ¿cuántas veces visitas tu patria original?
Entrevista no-directiva en formato videoconferencia. En este caso, el rol del investigador funcionará en base al concepto de atención flotante, permitiendo la atención libre del entrevistado (Gruber R., 2001). Preguntas potenciales: ¿cómo definirías Galicia? ¿Has ganado o perdido algo con la emigración?
Bibliografía
Guber, R. (2001). MÉTODO, CAMPO Y REFLEXIVIDAD. 58. Bogotá : Grupo Editorial Norma. ISBN 958-04-6154-6
Lins Ribeiro, G.»Descotidianizar: extrañamiento y conciencia práctica: un ensayo sobre la perpectiva antropológica». Cuadernos de Antropología Social. vol. 2, n. 1, 1989. p 65-69. ISSN 1850275X
Di Prospero C. (2017). «Antropología de lo digital: Construcción del campo etnográfico en co-presencia». Virtuales Vol. 8, núm. 15, pp. 44-60, ISSN 2007-2678.
Ardèvol, E., Bertran, M., Callén, B., & Pérez, C. (2003). Etnografía virtualizada: La observación participante y la entrevista semiestructurada en línea. Athenea Digital. Revista de pensamiento e investigación social, 72-92. https://doi.org/10.5565/rev/athenead/v1n3.67
Desde 1860, América fue destino principal para los emigrantes gallegos durante los períodos de hambruna; el éxodo se dirigió a otras regiones de España en los años sesenta y un más tarde a Europa. La llamada «Diáspora galega» tiene una influencia radical en el país; Buenos Aires cuenta con más gallegos que la segunda ciudad más poblada de Galicia, y el 12% de los votos durante las elecciones gallegas proceden del extranjero (Murado M.A., 2012). La figura del emigrante gallego está ligada al concepto de «morriña» y directamente relacionada con el rol del «retornado», personaje hacia el que Castelao muestra gran simpatía (Núñez Seixas X.M., 2020).
Caricatura de Alfonso R. Castelao (1940). Junto a ella se puede leer: «Para que queres ir a Bos Aires? Non temos pan dabondo?» («¿Para qué quieres ir a Buenos Aires? ¿No tenemos pan en abundancia?»)
Motivaciones y expectativas.
La gran motivación para escoger la comunidad de emigrantes gallegos en Europa como área de trabajo es, en primer lugar, mi propia condición de emigrante. Al contrario de lo que ocurre con mis compatriotas, yo no he tenido apenas relación con otros emigrantes y por tanto me interesa estudiar a aquellos que sí lo hacen, normalmente a través de Centros Gallegos en el extranjero o reuniones privadas. Espero que el estudio muestre aquellos parámetros que definen sus relaciones; me gustaría entender qué razones les hacen mantener su idioma y cultura incluso cuando viven rodeados por una sociedad totalmente diferente, así como el papel que juegan sus propios hijos como nexo. Busco comprender cómo se comunican, qué valores les aporta la experiencia, y con qué dificultades o ayudas se encuentran durante el proceso.
Infografía elaborada por el periódico La Voz de Galicia. Según los datos que recopiló Mila Méndez en 2018, uno de cada seis gallegos vive en el extranjero. Según Manolo Rodríguez del periódico «La Opinión», uno de cada cinco emigrantes españoles es gallego. Hay más que nunca en la historia: más de medio millón.
En el verano del año 2003 viajé a Los Ángeles para conocer a mi tío cineasta Ray Rivas. Más allá del afecto que mi familia le profesa, Ray fue mi mentor en el camino hacia la cinematografía. Con él cambió mi perspectiva sobre el cine; aprendí mucho sobre la vida y amplié el alcance de mi mirada. Ray me llevó a mi primer rodaje como luminotécnico y allí conocí al Gaffer Clark Postal, que había trabajado con Ray en Holywood. Durante el rodaje, Clark me regaló su objeto más preciado: un fotómetro. Me ha acompañado desde entonces; fue la herramienta principal durante mis años como iluminador y aún lo utilizo de vez en cuando. Verlo me recuerda la ilusión de entonces, el orgullo de alcanzar objetivos imposibles y el cariño de mi tío hacia mí y hacia mi familia.
La principal funcionalidad de un fotómetro es registrar la intensidad de la luz para una posterior exposición en cámara, bien sea de manera incidente – es decir, la luz que llega hasta el sensor – o de manera reflejada – esto es, la luz que irradia un objeto o persona al ser impactada por el haz de una luminaria –. Responde a la necesidad universal de retratar la realidad y contar historias, registrando los valores idóneos en una emulsión fotográfica; se relaciona con prácticas sociales tan dispares como el retrato, la producción de películas, o la ilustración de libros.
El Weston Master II de 1945, exposímetro basado en una célula de selenio. Los autodenominados coleccionistas conservan objetos antiguos por ser éstos considerados como únicos y singulares en las sociedades de las que forman parte; este concepto se denomina en antropología «patrimonialización» y puede considerarse una actividad innata a la naturaleza del ser humano (Rosado de Rueda F., 2017).
Mi fotómetro es un aparato electrónico de fabricación japonesa, si bien el primer fotómetro de la historia – o “astrómetro” como él lo llamaba – se le atribuye a John F. W. Herschel y era poco más que una escala en base a los valores lumínicos de la luna (Hudon P. y Poulin G., 2016). El primer instrumento comercial basado en tests de exposición fotográfica data del 1848 bajo el nombre de “fotografómetro”; de ahí se pasó a “actinómetros” basados en papel sensitivo, y ya a principios del XX se popularizaron los llamados “medidores de extinción”, ancestros directos de los actuales fotómetros (Early Photography, s.f.). Los más populares fueron los de los años treinta, de naturaleza fotoeléctrica. Mi Minolta Autometer III se fabricó sobre 1980 y pasó a la historia por ser el primero con pantalla LCD (Zahn C., s.f.); gracias a una pegatina trasera, sé que fue calibrado en 1993.
Aparatos electrónicos como éste pueden convertirse en símbolos sociales capaces de trascender al ciclo de vida que se le presupone como producto, incluso pasando de generación a generación. La Tecno-Antropología estudia estas circunstancias, y en especial los valores y posiciones normativas que influencian a los humanos durante el diseño de tecnología (Contreras Cardeño J. y Borsen T., 2021).
El fotómetro no es un objeto universal, pero cuenta con múltiples dimensiones culturales. La fotometría se remonta al 129 a.C. cuando Hiparco de Rodas clasificó 850 estrellas en función de su brillo (Miles R., 2006). La humanidad ha investigado el firmamento desde el principio y el éxito en su análisis ha estado siempre condicionado por la correcta medición de la luz. La fotografía ha de considerarse por lo tanto no sólo desde su dimensión lúdica o su función como registro histórico, sino también como el avance tecnológico que facilitó el estudio astronómico. Pero existen más dimensiones. Las celulas fotosensibles, originalmente fabricadas a partir de placas de selenio (Monje Arenas L., s.f.), acabaron derivando en las células fotovoltaicas y más tarde evolucionaron en espectrofotómetros de infrarrojos y ultravioletas que en los años 50 posibilitaron la aparición de las espectroscopias atómicas o moleculares (Wood R., 2014). Gracias a los fotómetros y colorímetros, es también posible analizar aguas residuales e incluso controlar el tratamiento sobre aguas potables (Deloya Martínez A., 2006).
Los fotómetros de mano simbolizan también una posición jerárquica y una relación de poder en la cultura fílmica, pues es la herramienta principal del Director de Fotografía o Iluminador; su alto coste añade un componente humanista estableciendo una escala de clase, condición que se agrava por el hecho de ser considerado un instrumento personal e intransferible. También adquiere significado en el estudiante, que lo ve como puerta hacia la adquisición de habilidades, al reconocimiento de sus pares, y a la consecución de una trayectoria laboral satisfactoria. A un nivel más abstracto, aquel que es capaz de “medir la luz” es de algún modo un «mago moderno», a medio camino entre el artista y el profesional técnico. El avance de la tecnología en el tiempo ha restado importancia al fotómetro en tanto los visores electrónicos facilitan la exposición; no obstante, su mística sigue presente y aquellos cineastas que hacen uso de él se visten hoy de conceptos como la experiencia, la sabiduría o el perfeccionismo.
En la imagen, tres «objetos de poder» a los que me encuentro muy ligado, fruto de mi experiencia americana. A lo largo de la historia, las civilizaciones han atribuido un valor metafísico a diversos utensilios; un claro ejemplo son las reliquias religiosas o los talismanes esotéricos. Sólo la superstición parece justificar que un ser humano pueda llegar a convertirse en siervo de sus instrumentos, pero parece obvio que ciertos objetos moldean nuestro inconsciente gracias al significado que les otorgamos (Dorenbaum D., 2019).
Su diseño ligero, sumado a la omnipresente célula fotosensible y el panel LCD, habla del análisis antropológico inherente: el cineasta necesita un objeto portátil, preciso en la medición y legible; sin una interpretación de las necesidades reales, no prevalecerían estas funcionalidades.
Imágenes y licencias
La imagen del fotómetro Weston pertenece a «camaracoleccion.es»; todos los derechos reservados. Se utiliza en el presente trabajo bajo el derecho de cita e ilustración para fines educativos regulado por el artículo 32 de la TRLPI, Decreto Legislativo 1/1996 del 12 de Abril.
La fotografía «objetos de poder» cuenta con autoría de Benjamín José Trillo Díaz y se publica bajo licencia CC BY-SA 3.0 (Compartir igual).
La infografía e ilustración sobre el fotómetro cuenta con autoría de Benjamín José Trillo Díaz y se publica bajo licencia CC BY-SA 3.0 (Compartir igual).
Todos los textos del presente trabajo pueden reproducirse con atribución; en caso de reproducción de cita debe atribuírsele el texto al autor tal y como se especifica en este artículo. Referencia bibliográfica: (Ben Díaz, 2022).
Ángel Díaz de Rada. Cultura, antropología y otras tonterías. Trotta, 2010. 294 p. ISBN 9788498793529
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Josep Martí, ¿Què entendemos por cultura? Clase magistral sobre el concepto de cultura a cargo de Josep Martí, CSIC. Universitat Oberta de Catalunya. Recuperado de https://materials.campus.uoc.edu/cdocent/PID_00281387/
Miller, Daniel. «Artefacts and the meaning of things». En: Ingold, Tim. Companion Encyclopedia of Anthropology: Humanity, Culture and Social Life. London: Routledge, 2002. p. 396-419. ISBN 9780203036327
os dejo aquí mi memoria. He investigado un hotel / resort / campo de golf del área en la que vivo (Baviera, Alemania). Espero que os guste; encantado de leer vuestros comentarios.
para esta entrada he pensado en uno de los espacios en los que más difícil me resulta orientarme: mi puesto de trabajo. He pensado que sería interesante explorar cómo indicarle a un cliente, de manera formal y a través de un correo, cómo llegar hasta mi oficina. Para añadirle complejidad, lo he hecho en inglés ya que trabajo en Alemania y me manejo en este idioma con mis clientes (lo pongo en castellano debajo). Los nombres son inventados.
To: Mike Florens From:Ben Díaz Topic: Indications to my office Text:
Hi Mike, I hope you’re good.
For your reference, I am sending some tips so you can find me when in here.
Since you’re coming by car, use «Arriweg» in your GPS or Google Maps to arrive at the factory; if you drive through a railway level crossing first and a tight bridge over a small river later, you’re good! Right after the panel «Langsam fahren» and the 30km/h traffic sign, leave your car at the big outdoor parking lot to the left.
Now, easy: walk straight ahead through the white fence until you see a yellow door at your left, and get in: you’ll be at the reception. Just turn right twice, and walk upstairs until the first floor – that’s the end of the stair anyway! Turn left following the stair railing, and left again as soon as you can: I’m on the third door; my name is on a small banner.
Believe me, you can’t get lost – but to make it even easier, here’s a small plot. Have a safe trip!
Traducción al castellano:
Hola Mike, espero que te encuentres bien.
Para tu referencia, te envío algunas indicaciones para encontrarme cuando estés aquí.
Ya que vienes en coche, utiliza «Arriweg» en tu GPS o Google Maps para llegar a la fábrica; si conduces a través de un paso a nivel primero y un puente estrecho sobre un río pequeño luego, ¡estás en el sitio correcto! Justo después del panel «Langsam fahren» y la señal de 30km/h, deja tu coche en el gran aparcamiento al aire libre de la derecha.
Ahora, fácil: camina recto a través de la valla blanca hasta que veas una puerta amarilla a tu derecha, y entra: estarás en la recepción. Gira a tu derecha dos veces, y sube las escaleras a la primera planta – ¡no hay otra! Gira a la derecha siguiendo la barandilla, y otra vez a la izquierda tan pronto como puedas: yo estoy en la tercera puerta; mi nombre está en un cartelito.
Créeme, no tiene pérdida – pero para hacerlo aún más fácil, aquí te dejo un pequeño plano -. ¡Que tengas buen viaje!
Estrategia utilizada.
Se trata de un edificio corporativo de carácter profesional en el que se comparte una planta de manufactura y almacenamiento con varias oficinas. Esto lo convierte en un espacio de características bastante peculiares y por tanto se requiere una descripción un tanto inusual, dado que el énfasis de la señalética se centra en la seguridad y la logística y no en la bienvenida a clientes. Utilizo por tanto este énfasis como primera referencia, citando las señales «langsam fahren» (conduce despacio) y la señal máxima de velocidad a 30km/h.
A simple vista se puede observar que hay mucho margen de mejora en el espacio, ya que hay deficiencias en cuanto a los tres objetivos de la señalética:
Orientación. No hay ningún tipo de indicación de en dónde se encuentra la recepción, más allá de paneles muy básicos y en tipografías pequeñas (poco legibles). El espacio está optimizado para el paso de camiones, lo cual dificulta la seguridad del viandante cuando cruza al interior del edificio.
Interpretación. Si bien el edificio cuenta en su interior la historia de la empresa al detalle, no hay nada en el exterior que ayude a entender el carácter de la fábrica ni el por qué de los elementos que allí se encuentran, a pesar de estar en plena naturaleza y al lado de un río.
Identidad. Aunque la marca es totalmente icónica y muy conocida internacionalmente, los elementos de branding son muy básicos y descolocados, dando una imagen de fábrica vieja y poco consistente.
Dadas estas circunstancias, he decidido descartar la utilización de un plano arquitectónico al uso para utilizar un código de colores muy ligado a la explicación del correo (como en el caso de la puerta amarilla de entrada). Lo primero que he intentado es que la explicación fuese muy escueta, ya que un e-mail debe ser breve y conciso. Esto me da también la posibilidad de copiarlo como un mensaje de Teams o WhatsApp si es necesario. El plano actúa por tanto como refuerzo de la explicación, y no como una alternativa a la misma – resulta intuitivo buscar en el plano si la explicación se ha entendido. En azul dejo todo aquello que es estructural, especificando como contorno las paredes, mientras que los espacios practicables pero cerrados (oficinas, almacenes, etc) se muestran en color sólido. En rojo muestro áreas en las que creo que el cliente puede confundirse, junto a una «X» claramente identificable como «error» o «prohibido». También en la indicación de las oficinas a las que no debe acceder. Evito los números porque el usuario no verá números en la ubicación real. Por otro lado, uso las leyendas directamente sobre el espacio para que sea más sencillo interpretarlo y les doy el mismo color que al objeto que representan, como en el caso de las ventanas azul oscuro, o la varandilla magenta (ambos elementos muy identificativos a nivel estructural, motivo por el que son incluidos en el plano). El verde (que gracias a los semáforos se interpreta como «paso libre» o acertado) es el color clave porque no sólo indica el trayecto a seguir sino también el objetivo final: mi oficina. Al puntear el recorrido facilito que el cliente entienda que ha de caminar (también en aplicaciones como Google Maps el trayecto andando se encuentra punteado). Para que se entienda con claridad el concepto de escalera y la diferencia entre bajo y primer piso, utilizo las leyendas «arriba» y «abajo» en inglés.
También como estrategia he dedicido darle una nota de humor al plano con el «You made it!» final (lo has conseguido), lo cual le resta complejidad a la tarea y le permite al lector concentrarse más en el objetivo. El texto explicativo también utiliza esa ligereza y humor, siempre quitándole carga mental a la tarea y utilizando técnicas de refuerzo positivo («es fácil», «no tiene pérdida», etc.).
Creo que los seres humanos nos guiamos mucho por la cartelería y el color; en caso de ausencia en interiores, sin duda puertas, ventanas y escaleras son nuestros puntos de referencia y los que entendemos de manera más intuitiva. Y en el exterior, la primera referencia cuando se conduce es sin duda las señales de tráfico, rotondas y semáforos. En caso de ausencia en lugares concretos, solemos guiarnos por elementos naturales de gran impacto como ríos, montañas, o elementos de la naturaleza puntuales como árboles o piedras.
¡Quedo con muchas ganas de leer vuestros comentarios!
Con la versión digital, cambia también el formato. La marca CREA, una revista sobre iluminación profesional enfocada en el papel de la mujer y el colectivo LGTBIQ+ en la industria, no sólo busca adaptar la versión impresa; también se intenta captar a nuevos usuarios a través de una maquetación más rítmica, con mejor navegabilidad y definitivamente pensada para los ciudadanos digitales.
Se han hecho múltiples cambios, empezando por la retícula que ahora cuenta con más columnas (6) y menos filas (4). La elección del formato ha estado totalmente orientada hacia el iPad AIR (1640 x 2360) ya que gracias a su ligereza este es uno de los dispositivos más populares en la lectura de revistas. También ha cambiado el concepto compositivo, otorgando mucho más espacio al blanco y añadiendo dinamismo con las imágenes y las columnas de texto, que ahora viajan de izquierda a derecha sin perder legibilidad. Todo se ha optimizado para la lectura en formato scroll, como se puede ver en el cambio del índice a lectura vertical. Los hipervínculos están presentes en toda la revista, tanto en cuerpo de texto (destacado con color corporativo y mayor peso en la letra) como a través de botones y enlaces a las secciones de página. Todo ello, junto a la inclusión de vídeo y galería de imágenes, expande la experiencia del usuario y enriquece la imagen corporativa sin perder coherencia ni diluir a la marca.
Todas las imágenes se han optimizado a RGB y 72ppp, y se han trabajado mucho los reencuadres ya que algunas de las imágenes se ajustan ahora a doble columna. La presencia de más filetes resulta vital para conectar los diferentes módulos y que no se genere confusión en la lectura; también se ha modificado el formato de la cabecera aumentando el tamaño de la tipografía. Los titulares han ganado peso y juegan mucho más como elemento de diseño.
Todo el diseño es modular y por tanto la retícula resulta perfecta para la adaptación a una web responsive.
en esta práctica he trabajado un poco más la maquetación, intentando llevarla a un tono más sutil y elegante. Todos los elementos se adecúan más a la retícula y sobre todo se deja un mayor aire y espacio, para así apoyar la idea de una mayor «claridad» para una revista que fundamentalmente aborda el papel de la mujer en el mundo de la luz.
He reducido el peso de los destacados al eliminar los contornos, y aunque las cabeceras de sección y pies de página han ganado en tamaño y peso, he eliminado los elementos gráficos de color sólido que trabajaban en negativo sobre los textos para reducir así su impacto y aumentar la legibilidad.
También se puede observar un peso mucho mayor de las imágenes, con la intención de que estas creen el ritmo visual y establezcan un tono más dinámico.
A continuación se muestran las propuestas de arte final para portada, contraportada y lomo de los números 1 (Enero) y 11 (Noviembre) de la revista creativa de iluminación «CREA».
Se continúa la línea gráfica ya propuesta para los contenidos: la revista cuenta con 48 páginas en A5 para cada número mensual. Cada número de edición se dedica a un segmento de la iluminación diferente. De las 48 páginas, 24 corresponden a un tono de «luz» o «claridad», más neutral y relacionado con proyectos de iluminación, y otras 24 páginas dedicadas a un tono de «oscuridad» o «introspección», mucho más activista, personal y con perspectiva LTBIQ+, donde mujeres del mundo de la luz son entrevistadas y diversos temas de género son abordados. Para enfatizar aún más la diferencia entre ambas secciones, la zona de «luz» comienza su lectura con la portada y trabaja en clave alta con uso de color en las imágenes así como uso de los dos colores corporativos (dos tonos de violeta), mientras que la zona de «oscuridad» comienza su lectura en el sentido inverso desde la contraportada y trabaja en clave baja con imágenes en blanco y negro.
No obstante, la línea gráfica ha evolucionado y en muchas áreas también se ha simplificado, adecuando el estilo al tipo de lector objetivo y dando mayor predominancia a la imagen y su relación con la luz. El cambio más dramático tiene que ver con el logotipo, al que se le ha quitado peso a pesar de contar ahora con una mayor presencia visual. La cabecera es por tanto más sutil y versátil.
Tanto portada como contraportada son figurativas y con una gran presencia de la cabecera, un titular principal con subtítulo, e información fija sobre la edición. El código de barras siempre se relega a una esquina de la contraportada. Todas las imágenes proceden de Adobe Stock, con licencia educativa. El proceso de trabajo utiliza las aplicaciones de Adobe Photoshop (para el tratamiento de las imágenes) y Adobe Indesign (para la maquetación).
La portada del primer número muestra a una mujer subiendo unas escaleras hacia la luz como metáfora de la incipiente (pero todavía escasa) visibilidad de la mujer en la sociedad y en particular en el sector de la iluminación. Los pesos horizontales se guían totalmente por una retícula customizada, que divide la portada en cuatro filas y cuatro columnas. La misma retícula define las diagonales que priman en las imágenes de la sección «luz». En este caso, la escalera. Para hacer coincidir imagen y diagonal de retícula se rota la fotografía. La imagen también recibe un tratamiento suave de color, mediante la adición de un filtro cálido 85 al 30%. El contraste entre esta calidez y el violeta de las tipografías es óptimo y al mismo tiempo sutil. El titular siempre usa una tipografía didona de tipo Display en cursiva, diferenciándose de la similar tipografía (con peso regular) en el título. Para enfatizar el contraste, el subtítulo utiliza una tipografía de palo seco con muy poco peso (light).
Todas las portadas buscan los triángulos en la composición, ambicionando cierta ruptura pero sin perder la elegancia y la sutileza, y siempre con la luz y la mujer como protagonistas. En este número, el triángulo oscuro inferior de la esquina derecha sirve de lienzo para titular y subtítulo, mientras que el triángulo superior de la esquina opuesta crea simetría en el conjunto. Con las diagonales se busca también favorecer a la dirección de la luz, que viaja de arriba a abajo y de derecha a izquierda, al igual que la lectura en la visualización de la composición.
La contraportada del mismo número cambia el tono hacia una propuesta más oscura y constrastada, en la que la ausencia de color otorga aún mayor protagonismo a la luz – en sintonía con las tipografías. Se busca un enfoque mucho más íntimo y artístico; de ahí la apuesta por texturas más exageradas, primeros planos e imágenes que evitan la frontalidad. Todas las fotografías de las contraportadas se tratan con curvas para pisar los negros, levantar los blancos y reducir los grises, bajando el rango dinámico y creando una gráfica dualista que intenta reflejar las dos caras del mundo femenino: por un lado un lenguaje propio brillante y personal; por otro lado las consecuencias de una sociedad que opaca el valor tanto de la mujer como de otras minorías por cuestiones puramente ideológicas. La gráfica también busca un espacio de reflexión y un tono más serio.
Mientras la portada del primer número representa la ascensión de la mujer hacia el merecido reconocimiento, la contraportada refleja la opresión del sistema sobre las elecciones personales. Las jerarquías de peso comunican esta idea mediante la modificación del sentido de lectura; en la contraportada la cabecera se encuentra abajo incrementando el peso de la marca sobre la imagen, que trabaja casi como un fondo integrado. La mirada traza una diagonal hacia el titular y su subtítulo, guiando al lector.
En la cubierta completa se observa la simetría del logo, a pesar de que la lectura de la tipografía requiere girar la revista – y con ello entrar en un mundo diferente. Aunque las imágenes son muy diferentes y la propuesta cromática también varía, se mantienen niveles de contraste relativamente similares para aumentar la coherencia del conjunto. En el lomo, se crean cuatro segmentos de acuerdo a las cuatro filas de la retícula. La zona «clara» cuenta con un título en fondo blanco; la zona «oscura» se comporta de manera inversa tanto en tipografía como en fondo. La simetría se mantiene también en el lomo (abajo / arriba) mediante la utilización del mismo violeta claro, si bien se busca el destaque del logo a través del blanco en la tipografía, mientras la información de la edición se reduce en contraste al utilizar el otro color corporativo (violeta oscuro) para la fuente.
Cada número cuenta con una temática de iluminación diferente, y en este caso se trata del diseño de interiores. Se busca una imagen en el que estén presentes líneas muy pronunciadas, y se rota nuevamente en base a las diagonales de la retícula para buscar perspectiva y abrir el espacio. Aunque número 1 y número 11 coinciden en la dirección de la diagonal, otras posibilidades pueden explorarse gracias a la versatilidad de la retícula. Nuevamente se crea un triángulo a través de la luz del LED, reforzando el contenido del titular. Éste queda enmarcado por la luz, aunque en una fila superior a la anterior portada. El titular junto a su subtítulo es por tanto un elemento móvil que se adaptará de manera diferente en cada portada y contraportada, mientras cabecera, información fija de edición y código de barras se comportan como elementos fijos.
Existen dos grandes cambios con respecto a la primera portada; primero, la clave de brillo es mucho más alta. Esta flexibilidad es necesaria porque la luz cuenta con aplicaciones muy diferentes, tanto a nivel de intensidad como de color y contraste. No obstante, se debe adecuar el estilo de la imagen a la idea de «claridad», aunque el contraste esté presente. Para darle una mayor coherencia con el estilo general de la publicación, se le aplica también el filtro cálido 85 aunque en un percentaje mucho más reducido – resultado en una modificación de la temperatura de color, un concepto muy lumínico. El segundo cambio se puede ver en la tipografía. Tanto titular como subtítulo cambian el color al violeta corporativo oscuro. Mientras la cabecera nunca cambiará de color en las portadas (siempre violeta claro), las tipografías que se encuentran en la información de edición, titular y subtítulo si pueden modificar su color entre estos dos violetas, en función del fondo de la imagen. De esta manera se potencia la legibilidad mediante el contraste.
Para esta contraportada se busca una dirección diferente en la mirada, pero nuevamente evitando la frontalidad y buscando los volúmenes en el rostro. Este efecto se consigue en este caso contrastando enormemente la imagen y girando la imagen hacia la esquina inferior izquierda, usando nuevamente una diagonal de la retícula como referencia. Ya que la contraportada siempre es más sobria que la portada en esta revista, nada cambia en lo tocante a cabecera, información fija de edición. Titular y subtítulo sí son ligeramente más flexibles, pero se intenta mantenerlas en el lado derecho para así crear un patrón idéntico para el código de barras en cada número – y así facilitar el cobro de cada revista en las tiendas. Nuevamente no hay miedo al negro, pero se dejan más grises (tonos medios) que en la anterior contraportada para trabajar mejor con la clave alta de la portada.
Quizá por la composición de la fotografía, que ha sido totalmente modificada (una imagen en formato horizontal con muchos grises y totalmente en eje), la contraportada muestra un gran equilibrio con cabecera y titular.
La cubierta, al abrirse, vuelve a mostrar el concepto de simetría gracias a las cabeceras. El conjunto funciona de manera armoniosa y con jerarquías claras a pesar de las ligeras modificaciones en la ubicación de titular y subtítulo. El lomo también sigue la misma estructura gráfica funcionando como elemento de continuidad cuando los diferentes números se almacenan juntos en la estantería.
La revista está pensada para un gramaje medio – alto y en rústica; de ahí el grosor del lomo que será encolado. Estas elecciones servirán para justificar el precio de la revista y constituirá un atractivo extra para coleccionistas y lectores de contenidos premium. Su estructura es reconocible y limpia, y a pesar de ello hay lugar para la ruptura visual y el atrevimiento elegante.
Hola gente; muchas gracias por compartir vuestros trabajos, ¡estoy aprendiendo un montón!
En mi anterior entrada en Folio planteé el análisis de un elemento de juego en parque infantil, pero por recomendación de Mireia, cambié a un nuevo dispositivo. En este caso, unos auriculares inalámbricos bluetooth para niños, y por tanto, limitados a 85 dB de volumen, con un tamaño ajustado a la edad, y ciertas características especiales en la configuración de los botones.
Os dejo por aquí mi panel de síntesis; ¡espero que os guste! Feliz año a todos y mucha suerte con la asignatura.
es posible consultar mi diseño de manual de identidad al completo para el Festival Urbano de Iluminación (FUI) aquí:
Incluyo en un formato más visual las nuevas aplicaciones, para una evaluación más detallada:
Photocall de prensa más poster en formato desplegable para uso conjunto y portátil, ideado para eventos premium, presencia de celebridades, ruedas de prensa con los artistas participantes, y sesiones de fotos:
Photocall para la toma de imágenes por parte de los asistentes al festival más stand informativo, de participación libre y ubicación en todas las exhibiciones premium, así como en eventos de inauguración y locales adheridos durante la celebración del festival. Un responsable del festival está presente en el stand para facilitar la toma de fotos, entregar un elemento de merchandising a los visitantes que registren sus datos personales, e informar sobre el sorteo de un paquete de merchandising exclusivo si las imágenes tomadas por los asistentes en este photocall son subidas a su instagram o al instagram oficial con los hashtag #fuiacompostela o #yoyamefui:
Vestuario exclusivo para miembros del staff, en formato softshell micropolar resistente al agua, en alto gramaje:
Vestuario oficial tanto para el equipo del festival como para compra online, en textiles eco-friendly, con estampación de camiseta en tintas en base de agua sobre algodón orgánico de gramaje medio, y con bordado más serigrafía para la gorra:
Aplicación gráfica para la pantalla inicial de la App oficial, en formato «login» y «loading»:
Post y Story para instagram, anunciando por un lado la inauguración de todas las instalaciones públicas y gratuitas Silverlight, y por otro lado la votación de los proyectos de iluminación diseñados por estudiantes dentro del concurso Lightcontest:
Personalización de vehículos para la instalación y el montaje de luminarias dentro del casco viejo de Santiago de Compostela, ejemplificados en furgonetas de gran formato, pero también aplicables a furgonetas carrozadas y a furgonetas compactas para el traslado de artistas. Eslóganes configurables con diferentes motivos:
OPI aplicado sobre elemento publicitario de gran formato en intemperie, redimensionado:
Es posible visualizar la presentación en vídeo de la imagen corporativa aquí:
Práctica: Tipografía, actividad 3
Diseñar un buen logotipo haciendo una buena selección tipográfica.
Briefing:
TRAVELFY – App de viajes que ayuda a encontrar alojamiento al mejor precio de una manera rápida, sencilla e intuitiva, enfocada a un público moderno y tecnológico. Los usuarios pueden buscar piso durante sus estancias de Erasmus. Dirigida a jóvenes universitarios entre 18 y 25 años que están muy acostumbrados a utilizar tecnologías digitales.
Aproximación:
Investigación orientada a aplicaciones de viajes y alojamiento, motores de búsqueda para vuelos, y empresas de alquiler de coches: booking.com, rentalcars.com, momondo.com, lonely planet, etc. Presentan un target muy similar, pero más neutro (rango más amplio de edades).
Familia tipográfica seleccionada para la primera versión: Livvic, de Google Fonts, diseñada por Jacques LeBailly. Fuente moderna y mecánica. Se utiliza en dos pesos: Black para la inicial «T», y Bold para el resto del texto. Se le aplica un espaciado de kerning métrico +40 entre las letras «f» e «y».
Modificaciones en la segunda versión:
Tras el feedback recibido, decidí darle más fuerza a la «T» aumentando su tamaño en 10 puntos e implementé una relación de espacios más proporcionada. Apliqué a todo el conjunto un kerning óptico en lugar de métrico, y le añadí un kerning -40 a la «T», manteniendo el kerning de +40 entre «f» e «y»
Justificación:
Se escoge una tipografía desenfadada, sencilla, redondeada, accesible y agradable. Invita a la interacción y resulta transparente.
La primera letra se utiliza en mayúscula para darle una mayor solidez al conjunto; la T tiene una forma rígida y esto aporta seguridad y seriedad a una app en la que se harán pagos y se gestionarán datos privados. Esta letra va además en peso Black, para darle una mayor presencia sobre la tipografía.
Se espacian las letras «f» e «y» por la naturaleza de la propia fotografía; en este caso el «fy» no tiene un significado como palabra independiente y por tanto se busca homogeneizar el conjunto utilizando interespacios similares.
Paleta cromática e icono:
Se apuesta por una solución en negativo sobre un degradado entre un color turquesa y un cián oscuro, con la intención de crear una ambientación suave pero seria. El icono refleja una casa sonriendo, representando a una elección correcta de casa para el usuario.
la verdad me ha gustado bastante lo de la videopresentación de la anterior práctica y me he atrevido a presentaros en un vídeo mi PEC 2, para el que le interese. Es un vídeo largo, pero me interesaba presentarlo al detalle para que se entendiese el proceso.
Me encantaría ver vuestros proyectos, si os animáis a publicarlos.
En líneas generales me ha gustado mucho la práctica, porque verdaderamente te da una idea clara del espacio y como dimensionar los elementos. Para la maqueta he utilizado una escala 1:35; es una escala sobre base de cartón-pluma negro de 1 metro por 70 centímetros. ¡Espero que os guste!
Nota: la web de la UOC lleva caída en el espacio de aulas todo el día; supongo que todos lo estáis experimentando… Por lo menos queda constancia aquí de que el trabajo ha sido entregado a tiempo.
En un contexto mediático convergente, basado en la recolección de datos, y decididamente global, tomar partido y posicionarse como marca propia siempre me ha parecido una necesidad, más allá de su conveniencia. En mi trayectoria profesional siempre he procurado hacerme fácilmente visible, no sólo para llevar el control de mi imagen, sino también para evitar malentendidos incómodos.
Mis primeras herramientas de imagen personal siempre han sido los blogs. Empecé de manera muy amateur, introduciendo artículos de opinión bastante sesgados así como crónicas de trabajo con escasa protección de la privacidad. Aquel primer blog, muy útil en su momento, me ayudó a encontrar un lenguaje propio y a darle entidad a mi trayectoria laboral, pero sobre todo me enseñó todo lo que no se debe hacer: etiquetar a personas sin su consentimiento, escribir acerca de puntos de vista radicales, o confundir al usuario durante su experiencia digital.
Las redes sociales llegaron tarde a mi vida pero crearon un ecosistema interesante a nivel personal y decidamente sólido a nivel profesional. Mi perfil personal de facebook, y posteriormente sus páginas profesionales para mi marca personal y mi empresa Planeta Namec SL, ayudaron a crear una red que interactuaba de manera constante en los contenidos para los que trabajaba. Las redes generaron, más allá de mi propio trabajo físico, una idea de mis capacidades. LinkedIn fue sin duda el gran punto de inflexión, ya que logró sustituir rápidamente a la necesidad de un curriculum y me puso en contacto con un tejido profesional más serio a una escala internacional. Otras redes sociales como Twitter siempre han tenido para mí un papel secundario, si bien dispongo de un perfil enlazado a mis cuentas de Facebook y Linkedin.
El gran salto de mi marca sin duda llegó con la creación del blog en inglés http://bendiazlightingdesigner.wordpress.com, totalmente orientado a mi trabajo como Iluminador y Product Manager. Fue nuevamente un proceso de aprendizaje, aunque sin duda desde un peldaño superior tras la creación de aquel primer blog personal. A base de esfuerzo y muchos cambios he conseguido hacerlo funcionar, adaptándolo siempre al crecimiento en mi trayectoria. Nunca olvidaré que mi trabajo actual para un fabricante de iluminación danés se originó en este blog; llamé la atención de la marca tras escribir sobre ellos. Hoy en día lo utilizo para recopilar todos mis artículos, vídeos, webinars y apariciones en presa dentro de una misma página, a la que he llamado «Resource Center».
Con la llegada del nuevo blog, surgen otros problemas, como la necesidad de proteger mi vida personal o la creación de sistemas de autenticación más seguros.
Mi última incursión es este blog en Folio, que me adentra en el ámbito académico. ¡Espero que os guste!
mis compañer@s Aarón y Vicenta ya os han contado un poco los problemas que hemos tenido en el grupo, no por su dedicación y actitud que fue genial, sino por el hecho de que dos de nuestros supuestos integrantes ni siquiera se pusieron en contacto.
Lo cierto es que esto nos complicó y mucho el proceso. Sólo tengo buenas palabras tanto para Aarón como Vicenta; creo que hemos planteado un juego interesante y bien planteado. Eso sí, me gustaría pedir disculpas en nombre de los tres por no poder estar presentes en la reunión final. Nuevamente aquí nos ha penalizado ser sólo tres, y que precisamente los tres tenemos nuestras circunstancias personales que nos han impedido asistir a la reunión donde se debería presentar el prototipo final. Nos da un poco de rabia, y por supuesto entendemos perfectamente que no se haya mencionado nuestro trabajo durante el vídeo de la reunión.
El gran aprendizaje que saco de la asignatura y en concreto de la práctica final es la capacidad de los seres humanos para sacar su potencial y enfoque práctico a la hora de sacar las cosas adelante, sin importar las dificultades. Los tres fuimos capaces de liderar el proyecto, colaborando codo con codo y sin ningún tipo de problema, lo cual es bastante difícil de ver en el entorno laboral.
Realmente espero que nuestro mapa les haya sido de utilidad a los alumnos del centro El Llindar; eso es lo más importante. Me parece que hacen un trabajo impresionante como muestra el prototipo en fotografía que, al margen de faltarle ciertos elementos (no están los vinilos, algún problema de escalado, etc.), tiene muy buena pinta.
Saludos y gracias tanto al personal docente como a los compañer@s por su buena predisposición para el aprendizaje y la colaboración.
El presente proyecto se desarrolla bajo el ámbito del co-diseño y participa activamente del método Aps (Aprendizaje-Servicio) que nos enlaza con la Escuela de Nuevas Oportunidades Fundació El Llindar.
Las premisas del Aprendizaje Servicio responden muy bien a las necesidades de las nuevas sociedades y resuena con los intereses de la Generación Z, en tanto prioriza la parte humana del conocimiento y reubica las habilidades profesionales hacia las necesidades de los demás. La gran revolución del Aps es la potente conexión que ofrece a nivel multidisciplinar, ofreciendo herramientas colaborativas que interesan a tod@s por su naturaleza funcional y práctica. Se involucran diferentes edades para demostrar que tod@s pueden aportar en el aprendizaje, más allá de las estructuras puramente verticales.
La iniciativa de Nuevas Oportunidades en Catalunya constituye una de las estrategias de inserción más efectivas e inteligentes en el país. Una segunda oportunidad no es un regalo, sino un derecho; la diferencia está en el punto de partida para esa segunda oportunidad. Los chicos y chicas que no cuentan con los suficientes recursos o han sido educados en un ambiente conflictivo tienen muchas más dificultades dentro del sistema para progresar y por tanto escuelas como El Llindar aportan un futuro y un presente donde la colaboración y la innovación forman parte del día a día. El acompañamiento subjetivo y la triangulación son técnicas excelentes para asegurar tanto la independencia del alumno como la guía hacia los espacios de trabajo.
A nivel personal, me preocupa el ser capaz de estar a la altura como grupo de trabajo y teniendo en cuenta el tiempo con el que contamos, ya que observo que la iniciativa es muy ambiciosa y los temas a trabajar tienen una repercusión social importante. Proyectos de este tipo conllevan mucha coordinación y un proceso creativo arduo. El briefing es interesante y haremos un esfuerzo por proveer un proyecto bien trabajado.
Pública 
El gran salto de mi marca sin duda llegó con la creación del blog en inglés 
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.